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A propos d'une image de Pierre Filliquet

 

Galerie-Photo : "Pierre, cette image joue sur la notion de vertige avec l'absence de repères et une fascination très apparente pour la multitude. C'est une photographie entre rien et tout, suivant la bonne volonté du spectateur. Qu'est-ce que c'est, comment en êtes-vous arrivé à prendre de tels sujets, qu'est-ce que vous aimeriez qu'on y voit ?"

P.-F. : Au départ, je suis dessinateur. Le dessin a été ma principale façon de faire des images pendant longtemps et il reste pour moi l'exercice le plus riche. C'est une activité de méditation, autant technique que conceptuelle ; c'est un mode de pensée.
La photographie en moyen, et surtout en grand format offre les mêmes conditions :  elle oblige à une attitude de distance et de réflexion, l'image est le fruit d'une construction géométrique fine. C'est cette position d'équilibre entre l'image, une figuration claire et précise, et son concept, que je cherche à montrer, sans tomber dans une abstraction.
L'image du sable m'a semblé correspondre tout à fait à cette idée, un matériau à la fois informe et très présent. 

 

 l'auteur

Pierre FILLIQUET
Artiste plasticien
Né en 1970
 Vit et travaille à Strasbourg
Pratique le dessin, la photographie et la vidéo
filliquet@gmail.com
www.pierrefilliquet.com

 

 

Sable - tours © Pierre Filliquet -2003


D'autre part, mon épouse m'a fait découvrir sa culture japonaise. Un des monuments de cette culture est la littérature d'Abé Kôbô, dont l'un des livres les plus connu est « la femme des sables ». Un film extraordinaire en a été tiré, grand prix à Cannes en 1962, je crois. Ce livre parle, par la symbolique du sable, d'un sentiment très fort et universel : un mélange d'abnégation et de force. De l'acceptation nécessaire des contraintes pour trouver sa liberté. J'ai lu ce livre après avoir commencé les prises de vues, mais c'est bien de la même chose dont je voulais parler. Il y a aussi les jardins zen, ou le tas d'ordure sur lequel vivent les personnes de Kurosawa dans Dodeska den. bref, cette image respire un air qui vient de là-bas.

L'expression « une photographie entre rien et tout » me plaît beaucoup : l'essentiel est toujours la question du choix. J'essaye dans cette série  d'en proposer un pour chaque image, et de rester en équilibre sur cette proposition.
La photographie est donc tout à fait figurative : un tas de sable, un mur, des couches qui le constitue, un bout de ciel, tout est lisible ; mais l'espace dans lequel cette figuration s'inscrit est lui tout à fait indistinct, il n'y a pas d'échelle de dimension. C'est donc l'idée que chaque spectateur se fera de l'espace de cette image qui va la circonscrire, lui donner sa « valeur ». Elle peut être formaliste ou plus spirituelle. Cela dépend du plaisir que l'on veut y prendre, et le plaisir le plus grand n'est pas le plus facile à conquérir.

 

Quel appareil, quelles pellicules ont servi à la prise de vue ?

Pour cette prise de vue, j'ai utilisé un Mamyia RZ 67 avec son objectif standard de 90 mm, avec lequel je travaille depuis 5 ans.
J'aime beaucoup cet appareil contraignant. Il est lourd et encombrant mais avec ses dos rotatifs, son viseur d'une très grande clarté et des objectifs d'une qualité exceptionnelle, il reste un compagnon irremplaçable. C'est un appareil qui a des exigences (pied obligatoire, pas de cellule), mais ce sont ces contraintes et la qualité des images qu'il offre qui m'ont justement amené au grand format.
Il m'a appris à être patient, précis.
J'ai donc fait l'acquisition, grâce à galerie-photo, d'une petite Linhof Kardan standard, le modèle le plus basique de chez Linhof, un peu primaire, mais je ne crois pas qu'il y ait de monorail plus légère. Elle ne chatouille donc pas trop ma hernie discale. Je travaille plutôt en grand angulaire avec elle, et un objectif Schneider Symmar super angulon 5,6 /90.
Grâce à elle j'ai goûté aux plaisir des jeux de bascules, et j'ai pu traiter certains sujets d'architecture de manière optimum.
Un ami me prête généreusement sa magnifique Sinar P13X18 de temps en temps, pour des sujets précis, et cela m'a donné le goût du luxe.
Mon objectif est de passer à une solution 20X25 transportable avec objectif neuf, dès j'aurai assez d'argent pour me l'offrir.
Pour cette prise de vue, la pellicule utilisée est du négatif Kodak 160 NC.
Je préfère le négatif parce qu'il est plus souple lors de la prise de vue et qu'il permet plus d'interprétation au tirage (auquel j'assiste toujours). De plus, le labo avec lequel je travaille ne peut pas tirer de format supérieur au 50x70 cm à partir d'ekta, et... on ne sait jamais !

 

Quelle est pour vous la taille idéale de tirage pour une vue pareille ?

Cette image fait partie d'une série, et la question du format a été très difficile à résoudre. Au final, chaque image a son propre format.
L'important pour ce type de photographie est que la présence physique du tirage permette juste le passage vers la perception mentale d'un espace, sans l'imposer. Le tirage doit donner à voir le strict nécessaire, mais avec le plus de précision possible a fin de créer une ambiguïté. Si le format dicte l'espace, il n'y a plus rien à en dire. Si l'image sert à construire  un paysage intérieur, une dimension propre à chaque spectateur, alors le travail reste ouvert et vivant.
Un rapport d'intimité avec le spectateur est nécessaire à la lecture. Cette image est donc tirée sur un 50X60 cm, ce qui est très raisonnable, avec une marge blanche pour l'isoler, sur un papier semi mat, par les procédés traditionnels de tirage couleur.
Je crois qu'aujourd'hui les photographes peuvent utiliser sans complexe toutes les techniques existantes de prise de vue ou de tirage. Le seul problème est la pertinence et la justesse de chaque technique pour ce que nous avons à dire. Il s'agit  aussi de savoir sur quel  ton on s'adresse à celui qui regarde l'image.


 

dernière modification de cet article : 2003

 

 

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